Blogers Flamencos

Vaivenes Flamencos

Un Blog, el de Vaivenes Flamencos, del escritor y periodista Juan Vergillos. Crítico de Diario de Sevilla, autor de varios libros de tematica jonda, Juan apuntilla con bellos y precisos textos en su columna del periodico de Sevilla. En el Blog desarrolla sus textos siempre interesantes y relevantes. Un Blog cargado de críticas desde el punto de vista de "flamencóloco". Apúntatelo.

Fue un morisco griego
'Francisco Moreno Galván, la fuente de lo jondo' Fidel Meneses y Patricio Hidalgo. Buen Cubero/Fidel Meneses/Mordisco Producciones

Un documental sobre la vida y la obra del poeta y pintor de La Puebla de Cazalla





Uno de los flamencos más influyentes del flamenco contemporáneo, lamentablemente fallecido antes de lo que esperábamos (sí, ya sé que la muerte no se puede esperar) fue este hombre que no cantaba, no tocaba, no bailaba. Francisco Moreno Galván, flamenco de pluma y pincel, letrista y pintor jondo. Poeta flamenco, una condición verdaderamente relegada, tanto en el ámbito de lo jondo como, más aún, en lo lírico. Sin duda, el gran poeta flamenco de nuestro tiempo. Pintor, amigo y morisco. De su pincel surgieron algunas de las imágenes más poderosas de la plástica jonda, como ‘La fuente de lo jondo’ o, dentro ya de la arquitectura, el bar Central de la Puebla o la escenografía de la Reunión del Cante Jondo, que el próximo 7 de julio alcanzará su edición XLIII. Ver los cuadros de Moreno Galván es escuchar a Fernanda, a su paisana enorme la Niña de la Puebla. Amigo, pues de su influencia y aliento surgieron figuras como Pepe Menese, Miguel Vargas, Diego Clavel. Morisco: en su lírica las cuitas, los dolores de sus vecinos se convirtieron en dramas o tragedias universales. Su hallazgo poético es, obvio, un hallazgo humano: la universalidad de la explotación. Elegante sencillez: el artista convirtió en esencia de su arte los caracteres definitorios de las gentes, la arquitectura, el urbanismo, de su pueblo. ¿O fue al revés? ¿Fueron los moriscos los que se hicieron Moreno con, por, durante y tras Francisco? Austeridad, esencialismo, verdad de a puño más allá o acá de filigranas: si es la característica definitoria del cante contemporáneo en La Puebla, la influencia de Moreno Galván no es ajena a la misma. En esto creo que, su mayor virtud, fue la de pulir y estilizar la materia prima que encontró en su pueblo, y no me refiero a las voces citadas anteriormente, sino al aire de La Puebla. Atrapó la atmósfera de su entorno, así supo hacerla universal. Arte de la piedra, de la sierra: campiña y monte bajo. Supo estar invisible detrás de cada gesto, de cada entonación de voz, de cada mirada hacia adentro.


Este documental emociona, consiguiendo así lo que es el propósito de toda obra de arte. Emociona porque nos trae, o nos conduce, hasta la voz de Moreno Galván: ira contenida, civilizada, y serenidad. Equilibrio, pulcritud, y rabia. El documental que firman Fidel Meneses y Patricio Hidalgo nos conduce a la esencia de un hombre empeñado en ocultarla: por timidez o, más verosímilmente, por pudor. Este documental logra lo imposible: desvelar a un hombre que hizo enormes esfuerzos por mantenerse en sombra. Moreno volcó en el colectivo su pena honda. Lo que falta en la obra de Moreno es Moreno, el individuo Francisco, el yo Galván, que volcó hacia lo colectivo, en las calles de su pueblo, en las voces de sus cantes, con esa tendencia a ocultarse que resaltan algunos de los intervinientes en este documental. Por eso la película debe detenerse en donde Moreno se detuvo. Sabemos de su obra, volcada en su tiempo y su pueblo y trascendida al pueblo, y nos preguntamos por su persona, su dolor profundo, ese ser humano que apunta su sobrino-nieto Diego Martín Cabeza y la frase “llegó tarde a la libertad”. Dice Martín que su tiempo le dificultó sobremanera ser quien era, en lo artístico y en lo humano, cuando sabemos que fue el ser quien era lo que le dificultó ser quien era. Sin que en la declaración de Martín halla, ni mucho menos, sombra alguna de falsedad o error de juicio. Y su hermana, en una sola frase, esta vez sí, directa como una saeta: “para él nada estaba bien, todo tenía que ser perfecto”. Por ejemplo, ¿dónde está el juguetón irredento que sin duda fue Moreno? Sólo en alguna imagen al desgaire que aparece anecdótica. Fue claridad y presente, solidaridad, colectivo, y esencia, y así nos lo ofrece ‘Francisco Moreno Galván, la fuente de lo jondo’. Fue un morisco griego. Arte de la palabra, de la letra, del espacio en blanco, del silencio y de la verdad de a puño en el rostro. En la política, en el sentido más clásico y civilizado del término, se difumina la persona. Por salvarnos se perdió. Sin cantar fue modelo de cantaores: podemos reconocer, todavía hoy, sus miradas, sus gestos, en sus paisanos. Incluso los que no lo conocimos. “Cuando quería alguien lo quería en serio” declara Pepe Lamarca. Compromiso.

Arquitectura popular, sí, pero estilizada. Polis, de nuevo en el sentido griego de la palabra. Esto que aplicamos a su urbanismo nos vale para su obra flamenca y también para el flamenco en general. Por eso Moreno Galván perdurará, porque es la esencia de lo jondo popular y estilizado. Ese milagro. “Nos llegó a convencer de que el flamenco es el fundamento de la vida” dice Paco Asensio. Compromiso.

Las manos del cantaor son las de un gorila herido, mientras que la mirada del caballo paciendo en la marisma es la de un poeta renacentista. Los perros son monstruos traspasados de miedo. Daba personalidad a las bestias y animalidad, en el mejor sentido de esencia del dolor y el placer, a sus hombres y mujeres. El placer en Moreno era la gracia en la mujer y el aplomo y elegancia, tierra, en el hombre, al que acababa feminizando cuando lo representaba en plenitud. Moreno Galván era un guijarro oculto en la polis, pulida piedra de fachada en La Puebla.



Imágenes: carátula de la película, sobre una fotografía de José Lamarca, Moreno Galván con Santiago Carrillo y el joven José Menese junto a Melchor de Marchena, por Lamarca.

lunes 20 de junio de 2011

Milagro en Bellavista

Cante: Tamara Aguilera, Toñi Fernández, Sonia Miranda, Nazareth Cala. Guitarra: Ismael Aguilera, Manuel Herrera, Fernando Moreno, Rafael el Cabeza. Cante para el baile: Manolo Sevilla, Moi de Morón. Baile: Milagros Mengíbar. Lugar: Cortijo de Cuarto, Sevilla. Fecha: 17 de junio. Aforo: media entrada.


Lo volvió a hacer, una vez más. El milagro consiste en remover al espectador, conectarlo con sus emociones más profundas, en una ceremonia colectiva en la que algunos miembros del público no pueden contenerse y expresan sus sentimientos a borbotones, en forma de "oles". Cuando Milagros Mengíbar baila, se detiene el tiempo. Cesan las prisas y también las ansias. De pronto los deseos se ven colmados. No hay lucha porque el individuo y la colectividad se hacen puro presente. Milagros Mengíbar puede bailar la letra con un mínimo gesto de las manos, en una danza estática en la que el resto del cuerpo expresa en la quietud. Eso está al alcance de muy pocos. De los que atesoran años de sabiduría y entrega a lo jondo, a la vida. La guitarra de Rafael el Cabeza es barroca, lujuriosa, pero estilizada hasta la trasparencia. Milagros le baila al cante en un ritual que hace que cada noche renazca la danza flamenca. No se trata de mostrar una coreografía como el que arroja una carga sino de entregarse al presente y a la devoción por el cante clásico: Manolo Sevilla y Moi de Morón, cruz y luna del cante para el baile. No sólo es la inventora de la gramática de bata de cola para la Escuela Sevillana. Es, ante todo, una intérprete genial.






Las cuatro cantaoras de la noche son jovencísimas representantes de la forma tradicional de decir lo jondo, ya que Nazareth Cala sustituyó a Lolita Valderrama, indispuesta en el último momento. La de El Puerto de Santa María tiene una voz fresca y salinera que encuentra en el toque de Fernando Moreno su complemento ideal. Toñi Fernández representó el arte más racial con la zambra y el fandango caracoleros, las seguiriyas, los tangos y las bulerías. Canastera y variada en los estilos festeros, el fuerte de esta intérprete es ese inaudito timbre aéreo, pleno de armónicos y dulzuras. Tamara Aguilera, que le tocó abrir la noche con la guitarra bisoña de su hermano Ismael, dio muestras de la enorme afición que atesora, aunque todavía le queda la asignatura de convertir el cante en un hecho más vivencial que erudito. Un festival de barrio con todo el sabor y solera.

miércoles 15 de junio de 2011

Algún día el piano flamenco

Piano, música, arreglos: Borja Évora. Guitarra: Lito Espinosa, José Manuel León. Cante: Carlos de Pepa, Alicia Gil. Percusión: Cepillo, Poti. Dj.: Pepe la Motta. Guitarra eléctrica: Bernd Boss, Guillermo Bandrés. Animaciones: Patricio Hidalgo. Baile: Leonor Leal. Lugar: Teatro Central. Fecha: Martes, 14 de junio. Aforo: Media entrada

La épica y el jazz. Los dos polos entre los que fluctúa el piano flamenco actual, incluyendo el piano de pared de Borja Évora. Un tipo patológicamente tímido: tocó de espaldas al público, habló con el texto escrito, ocultó su piano en el denso bosque de 10 artistas excepcionales. No quiere que lo veamos. Lo vimos. Lo que vimos fue épica. Sobre todo en su solo de por levante. Y en 'First we take Manhattan' pasado por E. y E. Morente en plan indignados enrollados. 
Así es la música de este grupo, porque Borja Évora es también un grupo: enrollada, épica, accesible. Algún día el piano flamenco, que se inició en este arte en la década de los noventa del XIX, en un disco del Canario Chico, se descubrirá como instrumento. Para ello quizá deba conocer a María Escudero o a Joan Guinjoan. Mientras tanto seguirá mirando a la casa, es decir, a la guitarra. A la épica, o al jazz. Y seguirá haciendo música tan enrollada, tan visual, tan amable, como la de Borja Évora, que nos dio cuatro o cinco flashes de pura luz en el cuerpo de Leo Leal, pimero con pantalón y camiseta negras, luego de primaveral, fecundo, estampado por tangos. Se trata de eso, de una obra amable, políticamente correcta, exportable, apta para todos los publicos, con buena parte de los tópicos más comerciales de la escena musical actual, que se refugió, tal vez por la timidez apuntada, en los arreglos brillantes, en la excelencia técnica de los intérpretes... Dios mío, aparta de mí estas obras perfectas. Y es que la imperfección implica sus riesgos: Borja Évora es un buen grupo. Pero hay tantos buenos grupos. Ojalá fuera un grupo malo, una mala persona que nos propinara una patada mortal. Sin riesgo no hay arte. Sin muerte no hay vida.